Art du début de la Renaissance (quattrocento)
Début du XVe siècle marquée par une crise politique aiguë, dont les participants étaient la République de Florence et Venise, d'une part, le duché de Milan et la Villa Médicis, le royaume de Naples, d'autre part. Terminé durant de 1378 à 1417. un schisme de l'église, et le pape Martin V a été élu au concile de Constance, choisissant Rome comme résidence. L'équilibre des forces politiques en Italie a changé: la vie de l'Italie était déterminée par des États régionaux tels que Venise, Florence, qui ont conquis ou acheté une partie des territoires des villes voisines et sont allés à la mer, Naples. La base sociale de la Renaissance italienne s'élargit. Les écoles d'art locales avec de longues traditions fleurissent. Le début séculier devient déterminant dans la culture. Au XVème siècle. les humanistes ont occupé deux fois le trône papal.
« Ni le ciel ne lui semble trop haut, ni le centre de la terre trop profond. Et puisque l'homme a connu la structure des corps célestes et comment ils se déplacent, alors qui niera que le génie de l'homme... est presque le même. Marsilio Ficino La première Renaissance se caractérise par le dépassement des traditions gothiques tardives et le recours à l'héritage antique. Cependant, cette conversion n'est pas causée par l'imitation. Ce n'est pas un hasard si Filarete a inventé son propre système de commande.
"L'imitation de la nature" par la compréhension de ses lois est l'idée maîtresse des traités sur l'art de cette époque.
Si au XIVe siècle. l'humanisme était majoritairement la propriété d'écrivains, d'historiens et de poètes, puis dès les premières années du XVe siècle. les recherches humanistes ont pénétré dans la peinture.
Virtu (valeur) - ce concept emprunté aux anciens stoïciens a été adopté par l'humanisme florentin à la fin du 14e-1er étage. 15ème siècle La première place de l'humanisme dans le dernier tiers du XVe siècle. néoplatonisme occupé, dans lequel le centre de gravité s'est déplacé des questions morales et éthiques vers la philosophie. Tous les humanistes de ce siècle sont unis par l'idée de l'homme comme la création la plus parfaite de la nature.
Les changements dans la position de l'artiste sont dus au fait qu'au début du siècle, la signoria de Florence confirme la règle oubliée depuis longtemps, selon laquelle les architectes et les sculpteurs ne pouvaient pas faire partie de l'organisation corporative de la ville dans laquelle ils travaillé. Conscients de la valeur de l'originalité artistique, les créateurs d'œuvres commencent à signer leurs créations.Ainsi, sur les portes du baptistère florentin est écrit : "Une merveilleuse œuvre d'art de Lawrence Cione de Ghiberti". Dans la seconde moitié du XVe siècle. le dessin d'après le modèle et les croquis à l'échelle réelle deviennent obligatoires.
Le premier architecte italien qui s'est concentré sur l'héritage romain antique était Leon Battista Alberti (1404-1472). Absolue et primordiale pour Alberti était la beauté. Sur cette compréhension de la beauté, Alberti a étayé sa doctrine de concinnitas (consonance, harmonie) de toutes choses. En lien avec la notion de proportionnalité, on s'intéresse aussi aux lois des relations numériques harmoniques, aux proportions parfaites. Certains, comme Filarete, les ont recherchés dans la structure du corps humain, d'autres (Alberti, Brunelleschi) - dans les relations numériques de l'harmonie musicale.
"La beauté est une harmonie proportionnée de toutes les parties, unies par ce à quoi elles appartiennent, de sorte que rien ne peut être ajouté, soustrait ou changé sans l'aggraver", croyait Alberti.
Une autre découverte du Quattrocento est la perspective directe. F. Brunelleschi fut le premier à l'appliquer dans deux types de Florence. En 1416, il fut utilisé par un ami de Brunelleschi, le sculpteur Donatello dans les reliefs de la bataille de St. George avec un dragon", et vers 1427-1428. Masaccio a créé une construction en perspective dans la fresque "Trinity". Un développement théorique détaillé des principes de la perspective a été donné par Alberti dans son Traité de la peinture. La méthode de projection ne procédait pas d'images d'objets individuels, mais de la connexion spatiale des objets, dans laquelle chaque objet individuel perdait son apparence stable. L'image en perspective est conçue pour l'effet de présence, par conséquent, il s'agissait de dessiner sur la vie à partir d'un point de vue fixe. La perspective implique la transmission de relations de clair-obscur et de couleurs tonales.
Architecture du Quattrocento
L'essence et les modèles de l'architecture sont déterminés pour les théoriciens du XVe siècle. son service à l'homme. Par conséquent, l'idée de la ressemblance d'un bâtiment à une personne, tirée de Vitruve, devient populaire. La forme du bâtiment était assimilée aux proportions du corps humain. Les théoriciens de l'architecture ont également vu le lien entre l'architecture et l'harmonie de l'univers. En 1441, un traité de Vitruve a été trouvé, dont l'étude a contribué à l'assimilation des principes du système d'ordre. Les architectes ont essayé de construire un modèle de temple idéal. Selon Alberti, il devrait être semblable en plan à un cercle ou à un polyèdre inscrit dedans.
Baptistère (baptisterion grec - police) - une salle de baptême, une salle de baptême. À l'époque du haut Moyen Âge, en raison de la nécessité des baptêmes de masse, les baptistères ont été construits séparément de l'église. Le plus souvent, les baptistères étaient construits ronds ou facettés et recouverts d'un dôme.
Un résultat naturel du développement de la théorie de la perspective a été le développement des lois des proportions - les relations spatiales des éléments individuels du bâtiment (la hauteur de la colonne et la largeur de l'arc, le diamètre moyen de la colonne et son la taille).
La fascination pour l'antiquité était caractéristique des maîtres du Quattrocento, mais chaque créateur créait et avait conscience de son propre idéal de l'antiquité.
Au XVème siècle. des concours ont commencé à être organisés pour le droit à tout projet d'art. Ainsi, au concours de 1401 pour la fabrication des portes en bronze du nord du baptistère, les deux maîtres célèbres et Lorenzo Ghiberti et Filippo Brunelleschi, vingt ans, ont participé. Le thème de l'image était "Le Sacrifice d'Abraham" sous la forme d'un relief. Ghiberti a gagné. Brunelleschi (1377-1446), architecte, mathématicien et ingénieur, remporte le concours en 1418 pour la construction du dôme de la cathédrale de Santa Maria del Fiore. Le dôme était censé couronner la cathédrale, construite au début du XIIIe siècle. et agrandi au XIVe siècle. La difficulté était que le dôme ne pouvait pas être érigé en utilisant le techniques. Brunelleschi a dérivé sa méthode des méthodes de la maçonnerie romaine antique, mais a changé la forme de la structure en forme de dôme. L'énorme dôme légèrement pointu (diamètre - 42 m) se composait de deux coques, le cadre principal - de 8 nervures principales et de 16 supplémentaires, reliées entre elles par des anneaux horizontaux d'extinction de poussée.
La loggia créée par Brunelleschi sur la façade de l'Orphelinat de Florence est devenue l'incarnation architecturale de l'essence de la Renaissance. Revenant aux fondamentaux de l'architecture romaine antique, s'appuyant sur les principes de la Proto-Renaissance et sur tradition nationale Architecture italienne, Brunelleschi s'est montré réformateur en créant le portique de l'Orphelinat, une institution caritative. La forme de la façade était nouvelle. Le portique était plus large que l'orphelinat lui-même, auquel à droite et à gauche une autre travée était accolée. Cela a créé l'impression d'une large extension, qui s'est exprimée dans l'ampleur des travées cintrées des arcades, soulignée par la hauteur relativement faible du deuxième étage. Il n'y a pas de formes gothiques dans l'édifice, au lieu d'orienter l'édifice en hauteur ou en profondeur, Brunelleschi emprunte à l'Antiquité l'équilibre harmonieux des masses et des volumes.
Relief aplati (it. Relievo schiacciatto) - un type de bas-relief dans lequel l'image s'élève au-dessus de l'arrière-plan dans la moindre mesure et les plans spatiaux sont rapprochés à la limite.
Brunelleschi est crédité d'être le premier mise en œuvre pratique perspective directe. Même dans l'Antiquité, les géomètres fondaient l'optique sur l'hypothèse que l'œil était relié à l'objet observé par des rayons optiques. La découverte de Brunelleschi fut qu'il traversa cette pyramide optique avec le plan image et obtint une projection exacte de l'objet sur le plan. Utilisant les portes de la cathédrale de Florence comme cadre naturel, Brunelleschi plaça devant elles une projection du baptistère (le bâtiment du baptistère situé en face de la cathédrale), et cette projection coïncidait avec la silhouette du bâtiment à un certain distance.
Tous les projets de Brunelleschi n'ont pas été réalisés comme il l'avait prévu.
L'élève de Brunelleschi, Michelozzo di Bartolommeo, a créé le Palazzo Medici - trois étages, de plan carré, avec une cour carrée au centre.
Leon Batista Alberti (1404-1472) est un philosophe humaniste polyvalent qui a travaillé à Florence, Ferrara, Rimini. Alberti a été le premier architecte, se concentrant principalement sur l'héritage romain antique, qui a profondément compris le sens de l'architecture romaine. Les contemporains ont été troublés par le caractère inhabituel des bâtiments de l'église d'Alberti; pour le pape Pie Ier, l'église de San Francesco à Rimini ressemblait à un temple païen, l'église de San Sebastiano à Mantoue rappelait à la fois une église et une mosquée. Alberti a créé le Palazzo Ruccellai à Florence avec des murs lisses et rustiqués, un encadrement élégant des portails et des fenêtres et une décoration ordonnée de la façade. Dans le projet de l'église Sant'Andrea de Mantoue, Alberti a combiné la forme basilicale traditionnelle du temple avec un toit en dôme. Le bâtiment se caractérise par la majesté des arcs de la façade, la grandeur de l'espace intérieur. Le mur était traversé horizontalement par un large entablement. Le portique était d'une importance décisive, et en lui la voûte, dans laquelle les nervures ont été remplacées par un dôme plat.
La plupart des autres architectes ont combiné avec succès le rôle de concepteurs avec les fonctions de contremaîtres.
Peinture du 15ème siècle
La peinture est avant tout une peinture monumentale, c'est-à-dire fresque. Une caractéristique de la fresque est la nécessité d'utiliser une quantité limitée de colorants qui se combinent avec la chaux. Parmi les types de peinture de chevalet, l'autel commence à jouer un rôle de plus en plus important. Ce n'est pas un autel gothique avec de nombreuses ailes, mais une seule composition - une image d'autel, la soi-disant. pala. Sous la peinture de l'autel, plusieurs petites peintures allongées horizontalement forment une étroite bande de prédelle. Dans la première moitié du siècle, un portrait laïque indépendant est apparu. L'un des premiers artistes de l'époque était Masaccio (vrai nom - Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Oeuvres principales: "Vierge à l'Enfant avec anges", "Crucifixion", "Adoration des Mages", "Trinité".
Dans la fresque de la chapelle Brancacci dans l'église Sainte Marie le Miracle de del Carmine avec le statère de Masaccio enchaîne trois épisodes : le Christ, à qui le collecteur d'impôts demande de l'argent ; le Christ ordonnant à Pierre d'attraper un poisson pour en retirer une pièce de monnaie ; Pierre donne de l'argent. Masaccio rend le deuxième épisode central car il avait besoin de montrer que les événements dépendent de la volonté motivante du Christ.
Frère Beato Angelico (1395-1455). En 1418, il fut tonsuré au monastère dominicain de Fiesole, désormais appelé Fra (frère) Giovanni. En 1438, il s'installe au monastère de San Marco à Florence, où il conçoit le retable principal et les cellules des moines. L'œuvre la plus célèbre de Fra Angelico était la fresque "Annonciation".
Filippo Lippi (c. 1406-1469) a été laissé sans parents au début, en 1421, il a été tonsuré dans le monastère de Santa Maria del Carmine. Filippo a peint des retables pour les églises florentines de San Spirito, San Lorenzo, Sant'Ambrogio, de petits retables en forme de tondos, qui étaient habituellement offerts en cadeau pour les mariages ou à l'occasion de la naissance d'un enfant. Patronné par les Médicis, Piero della Francesca (1420-1492) est né à San Sepolcro et toute sa vie, malgré des absences constantes, il retourna travailler dans sa ville natale. En 1452-1458. Piero della Francesca a peint la chapelle principale de l'église de San Francesco à Arezzo avec des fresques sur le thème de l'histoire de la croix vivifiante.
Andrea della Verrocchio (1435-1489) était l'un des favoris des Médicis, pour le compte desquels il effectua des travaux dans l'église de San Lorenzo.
Domenico Ghirlandaio (1449-1494) à Florence a travaillé pour des marchands et des banquiers proches de la maison Médicis. Dans ses compositions, il dépeint souvent ses concitoyens comme des personnages de l'histoire sacrée.
Pérugin (1450-1523). Vrai nom - Pietro Vannucci, est né près de Pérouse, d'où son surnom Perugino. À Rome en 1481, avec d'autres, il peint la chapelle florentine sur les sujets de l'Ancien et du Nouveau Testament, crée des compositions d'autel commandées par des églises et des monastères du nord de l'Italie.
Bernardino di Betto, surnommé Pinturicchio en raison de sa petite taille (1454-1513), réalise des fresques, des miniatures sur des sujets littéraires. L'œuvre la plus célèbre de Pinturicchio était les décorations en stuc et les fresques des salles papales du Vatican.
Andrea Mantegna (1431-1506) était le peintre de la cour du duc de Gonzaga à Mantoue, peignait des tableaux, créait des gravures, des décors pour des spectacles. En 1465-1474. Mantegna a conçu le palais de la ville de Lodovico Gonzaga et de sa famille.
Sandro Botticelli (1445-1510) est considéré comme le dernier des grands maîtres du Quattrocento, proche des néoplatoniciens florentins dans son aspiration à l'autre monde, le désir d'aller au-delà des formes naturelles et de l'histoire. Les premières œuvres de Botticelli se caractérisent par un lyrisme doux. Il peint des portraits pleins de vie intérieure. Il s'agit de Giuliano Medici, dont le visage est empreint de tristesse. Dans le « Portrait de Simonetta Vespucci », Botticelli représente une jeune femme debout de profil, dont le visage exprime l'estime de soi. Dans les années 90. il a réalisé un portrait de Lorenzo Lorenziano, un scientifique qui s'est suicidé en 1504 dans un accès de folie. L'artiste dépeint une image presque sculpturalement tangible.
Le "printemps" a marqué le début de la plus haute floraison de l'activité de Botticelli, sa renommée a atteint Rome: au milieu d'une prairie fleurie se dresse Vénus - la déesse de l'amour, présentée sous la forme d'une fille élégamment vêtue. Au-dessus de Vénus, Cupidon plane, les yeux bandés, et tire une flèche brûlante dans l'espace. A droite de Vénus, trois grâces mènent une ronde. Près des grâces dansantes se trouve le messager des dieux Mercure, levant la tige - le caducée. Sur le côté droit de l'image, le dieu du vent Zéphyr vole des profondeurs du fourré, incarnant le principe élémentaire de la nature. "La Naissance de Vénus" écrivait Botticelli en 1482-1483. commandé par Laurent de Médicis. La mer s'approche du bord même de l'image, une coquille rose doré flotte à sa surface, sur la boucle de laquelle se dresse Vénus nue. Des roses tombent à ses pieds, les vents dirigent la coquille vers le rivage, où la nymphe a préparé un manteau tissé de fleurs.
Il est probable que Botticelli ait mis dans l'image un sous-texte tiré du néoplatonisme. "La Naissance de Vénus" n'est en aucun cas un chant païen de la beauté féminine. Il contient l'idée du christianisme sur la naissance de l'âme de l'eau lors du baptême. Le corps nu de la déesse signifie la pureté, la nature est représentée par ses éléments : l'air est Éole et Borée, l'eau est une mer verdâtre avec des boucles ornementales de vagues. Ceci est cohérent avec la façon dont le chef de l'Académie florentine, Marsile Ficin, a interprété le mythe de la naissance de Vénus comme la personnification de l'âme, qui, grâce au principe divin, est capable de créer la beauté. Pour Botticelli, il n'y avait pas de ligne infranchissable entre l'antiquité et le christianisme. L'artiste introduit des images anciennes dans ses peintures religieuses. L'un des célèbres tableaux à contenu religieux est "Le grossissement de la Madone", créé en 1483-1485. La Madone est représentée sur un trône entouré d'anges avec l'enfant Jésus sur ses genoux. La Madone tend son stylo pour écrire les mots dans le livre alors que la prière commence en son honneur. Après le « Magnificat * », Botticelli crée nombre d'œuvres où le spiritualisme s'intensifie de plus en plus, des échos gothiques apparaissent dans l'absence d'espace, dans l'exaltation des images.
La sculpture de la Renaissance incarne l'anthropocentrisme de la Renaissance. Les sculpteurs de la Renaissance italienne ont procédé à l'individualisation de l'image non seulement en termes de personnification physionomique, mais aussi en tant que conscience de soi spirituelle de l'individu. La principale caractéristique de la sculpture du XVe siècle. - sa séparation du mur et de la niche de la cathédrale.
Donatello (de son vrai nom Donato di Niccolo di Betto Bardi) (1386-1466) a inventé un type particulier de relief, dont l'essence réside dans les plus fines gradations de volumes, dans lesquelles les figures les plus avancées sont moulées en haut-relief, les plus lointaines ceux qui dépassent légèrement de l'arrière-plan. En même temps, l'espace est construit en perspective et permet d'accueillir de nombreuses figures. Ce sont les reliefs représentant les miracles de St. Antoine de l'autel de l'église de Sant'Antonio à Padoue. Le premier relief aplati de Donatello fut le panneau Saint Georges terrassant le dragon, créé vers 1420. La masse principale de l'image est aplatie et aplatie, limitée par un contour profondément incisé, souvent réalisé selon la technique du sillon incliné.
En 1432 à Rome, Donatello se familiarise avec l'art antique et en vient à sa propre interprétation de l'esprit de l'Antiquité, dans laquelle il est attiré par le transfert de l'excitation émotionnelle, le drame des sentiments. Donatello a relancé le chiasme utilisé dans la sculpture antique - la mise en scène d'une figure dans laquelle le poids du corps est transféré sur une jambe, et donc l'épaule abaissée correspond à la hanche montante et vice versa.
Sur la place devant l'église de Sant'Antonio à Padoue en 1447-1453. Donatello érige le premier monument en bronze à Gattamelata dans l'art moderne.
La Renaissance est une époque d'épanouissement culturel, l'apogée de tous les arts, mais les beaux-arts sont ceux qui expriment le mieux l'esprit de leur temps.
Renaissance ou Renaissance(français "nouvellement" + "né") a eu une importance mondiale dans l'histoire de la culture européenne. La Renaissance a remplacé le Moyen Âge et a précédé les Lumières.
Les principales caractéristiques de la Renaissance- la laïcité de la culture, l'humanisme et l'anthropocentrisme (intérêt pour une personne et ses activités). Pendant la période de la Renaissance, l'intérêt pour la culture ancienne a prospéré et, pour ainsi dire, sa «renaissance» a eu lieu.
Le renouveau est né en Italie - ses premiers signes sont apparus dès les XIIIe-XIVe siècles. (Tony Paramoni, Pisano, Giotto, Orcagna et autres). Mais il a été fermement établi à partir des années 20 du XVe siècle et à la fin du XVe siècle. atteint son plus haut sommet.
Dans d'autres pays, la Renaissance a commencé beaucoup plus tard. Au XVIe siècle. la crise des idées de la Renaissance commence, la conséquence de cette crise est l'émergence du maniérisme et du baroque.
Périodes de la Renaissance
La Renaissance est divisée en 4 périodes :
1. Proto-Renaissance (2e moitié du XIIIe siècle - XIVe siècle)
2. Début de la Renaissance (début XV-fin XV siècle)
3. Haute Renaissance (fin XVe - 20 premières années du XVIe siècle)
4. Renaissance tardive (milieu XVIe-années 90 du XVIe siècle)
La chute de l'Empire byzantin a joué un rôle dans la formation de la Renaissance. Les Byzantins qui se sont installés en Europe ont apporté avec eux leurs bibliothèques et leurs œuvres d'art, inconnues de l'Europe médiévale. À Byzance, ils n'ont jamais non plus rompu avec la culture antique.
Apparence humanisme(mouvement socio-philosophique, qui considérait une personne comme valeur la plus élevée) était due à l'absence de relations féodales dans les cités-républiques italiennes.
Des centres séculiers de science et d'art ont commencé à apparaître dans les villes, qui n'étaient pas contrôlées par l'église. dont les activités échappaient au contrôle de l'Église. Au milieu du XVe siècle. la typographie a été inventée, qui a joué un rôle important dans la diffusion de nouvelles vues dans toute l'Europe.
Brèves caractéristiques des périodes de la Renaissance
Proto-Renaissance
La Proto-Renaissance est le précurseur de la Renaissance. Elle est encore étroitement liée au Moyen Âge, aux traditions byzantines, romanes et gothiques. Il est associé aux noms de Giotto, Arnolfo di Cambio, les frères Pisano, Andrea Pisano.
Andrea Pisano. Bas-relief "Création d'Adam". Opera del Duomo (Florence)
La peinture de la Proto-Renaissance est représentée par deux écoles d'art : Florence (Cimabue, Giotto) et Sienne (Duccio, Simone Martini). La figure centrale de la peinture était Giotto. Il était considéré comme un réformateur de la peinture: il remplissait les formes religieuses d'un contenu profane, passait progressivement des images planes aux images tridimensionnelles et en relief, se tournait vers le réalisme, introduisait le volume plastique des figures dans la peinture, dépeint l'intérieur dans la peinture.
Début de la Renaissance
C'est la période de 1420 à 1500. Les artistes de la première Renaissance italienne ont tiré des motifs de la vie, ont rempli des sujets religieux traditionnels avec un contenu terrestre. En sculpture, ce sont L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, la famille della Robbia, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio. Des statues autoportantes, des reliefs pittoresques, des bustes de portraits et des monuments équestres commencent à se développer dans leur travail.
Dans la peinture italienne du XVe siècle. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino, etc.) se caractérisent par un sens du ordonnancement harmonieux du monde, conversion aux idéaux éthiques et civiques de l'humanisme, perception joyeuse de la beauté et de la diversité du monde réel.
L'ancêtre de l'architecture de la Renaissance italienne était Filippo Brunelleschi (1377-1446), architecte, sculpteur et scientifique, l'un des créateurs de la théorie scientifique de la perspective.
Une place particulière dans l'histoire de l'architecture italienne est occupée par Léon Battista Alberti (1404-1472). Cet érudit italien, architecte, écrivain et musicien de la première Renaissance a fait ses études à Padoue, a étudié le droit à Bologne et a ensuite vécu à Florence et à Rome. Il a créé des traités théoriques Sur la statue (1435), Sur la peinture (1435-1436), Sur l'architecture (publié en 1485). Il a défendu la langue « populaire » (italienne) comme langue littéraire, dans le traité d'éthique « De la famille » (1737-1441) il a développé l'idéal d'une personnalité harmonieusement développée. Dans le travail architectural, Alberti s'oriente vers des solutions expérimentales audacieuses. Il fut l'un des pionniers de la nouvelle architecture européenne.
Palais Rucellai
Leon Battista Alberti a conçu nouveau type un palais avec une façade traitée en rustication sur toute sa hauteur et disséquée par trois rangées de pilastres, qui ressemblent à la base structurelle de l'édifice (Palazzo Rucellai à Florence, construit par B. Rossellino selon les plans d'Alberti).
En face du Palazzo se dresse la Rucellai Loggia, où se tenaient des réceptions et des banquets pour les partenaires commerciaux, des mariages étaient célébrés.
Loggia Rucellai
Haute Renaissance
C'est l'époque du plus magnifique développement du style Renaissance. En Italie, il a duré environ de 1500 à 1527. Aujourd'hui, le centre de l'art italien se déplace de Florence à Rome, grâce à l'accession au trône papal. Julia II, un homme ambitieux, courageux, entreprenant, qui attira à sa cour les meilleurs artistes d'Italie.
Raphaël Santi "Portrait du pape Jules II"
De nombreux édifices monumentaux sont construits à Rome, de magnifiques sculptures sont créées, des fresques et des peintures sont peintes, qui sont toujours considérées comme des chefs-d'œuvre de la peinture. L'Antiquité est toujours très appréciée et soigneusement étudiée. Mais l'imitation des anciens n'étouffe pas l'indépendance des artistes.
Le summum de la Renaissance est l'œuvre de Léonard de Vinci (1452-1519), Michelangelo Buonarroti (1475-1564) et Raphaël Santi (1483-1520).
Renaissance tardive
En Italie, c'est la période des années 1530 aux années 1590-1620. L'art et la culture de cette époque sont très diversifiés. Certains pensent (par exemple, des érudits britanniques) que "la Renaissance en tant que période historique intégrale s'est terminée avec la chute de Rome en 1527". L'art de la fin de la Renaissance est une image très complexe de la lutte de divers courants. Beaucoup d'artistes n'ont pas cherché à étudier la nature et ses lois, mais ont seulement essayé extérieurement d'assimiler la "manière" des grands maîtres : Léonard, Raphaël et Michel-Ange. A cette occasion, le vieux Michel-Ange a dit un jour, en regardant comment les artistes copient son "Jugement dernier": "Mon art fera beaucoup de fous."
En Europe du Sud, triomphe la Contre-Réforme qui n'accueille aucune liberté de pensée, y compris le chant du corps humain et la résurrection des idéaux de l'Antiquité.
Les artistes célèbres de cette période étaient Giorgione (1477/1478-1510), Paolo Veronese (1528-1588), Caravaggio (1571-1610) et d'autres. Caravage considéré comme le fondateur du style baroque.
Renaissance (Renaissance). Italie. XV-XVI siècles. capitalisme primitif. Le pays est gouverné par de riches banquiers. Ils s'intéressent à l'art et à la science.
Les riches et les puissants rassemblent les talentueux et les sages autour d'eux. Poètes, philosophes, peintres et sculpteurs ont des conversations quotidiennes avec leurs mécènes. À un moment donné, il a semblé que le peuple était gouverné par des sages, comme le voulait Platon.
Rappelez-vous les anciens Romains et Grecs. Ils ont également construit une société de citoyens libres, où la valeur principale est la personne (sans compter les esclaves, bien sûr).
La Renaissance ne se contente pas de copier l'art des civilisations anciennes. Ceci est un mélange. Mythologie et christianisme. Réalisme de la nature et sincérité des images. Beauté physique et spirituelle.
Ce n'était qu'un éclair. Période Haute Renaissance- c'est environ 30 ans! Des années 1490 à 1527 Dès le début de l'épanouissement de la créativité de Léonard. Avant le sac de Rome.
Le mirage d'un monde idéal s'est rapidement estompé. L'Italie était trop fragile. Elle fut bientôt asservie par un autre dictateur.
Pourtant, ces 30 ans ont déterminé les grands traits de la peinture européenne pour les 500 ans à venir ! Jusqu'à .
Réalisme des images. Anthropocentrisme (lorsque le centre du monde est l'homme). Perspective linéaire. Peinture à l'huile. Portrait. Paysage…
Incroyablement, au cours de ces 30 années, plusieurs maîtres brillants ont travaillé en même temps. À d'autres moments, ils naissent un tous les 1000 ans.
Léonard, Michel-Ange, Raphaël et Titien sont les titans de la Renaissance. Mais il est impossible de ne pas mentionner leurs deux prédécesseurs : Giotto et Masaccio. Sans quoi il n'y aurait pas de Renaissance.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment du tableau "Cinq Maîtres de la Renaissance Florentine". Début du XVIe siècle. . XIVe siècle. Proto-Renaissance. Son personnage principal est Giotto. C'est un maître qui à lui seul a révolutionné l'art. 200 ans avant la Haute Renaissance. Sans lui, l'ère dont l'humanité est si fière ne serait guère arrivée.
Avant Giotto, il y avait des icônes et des fresques. Ils ont été créés selon les canons byzantins. Des visages au lieu de visages. chiffres plats. Inadéquation proportionnelle. Au lieu d'un paysage - un fond doré. Comme, par exemple, sur cette icône.
Guido de Sienne. Adoration des mages. 1275-1280 Altenbourg, Musée Lindenau, Allemagne. Et soudain apparaissent les fresques de Giotto. Sur eux figures en trois dimensions. Visages de gens nobles. Vieux et jeune. Triste. Triste. Surpris. Divers.
Fresques de Giotto dans l'église des Scrovegni à Padoue (1302-1305). A gauche : Lamentation du Christ. Milieu : Baiser de Judas (détail). À droite : Annonciation de sainte Anne (mère de Marie), fragment.
La principale création de Giotto est un cycle de ses fresques dans la chapelle des Scrovegni à Padoue. Lorsque cette église s'est ouverte aux paroissiens, des foules de gens y ont afflué. Ils n'ont jamais vu ça.
Après tout, Giotto a fait quelque chose d'inédit. Il a traduit les histoires bibliques dans un langage simple et compréhensible. Et ils sont devenus beaucoup plus accessibles aux gens ordinaires.
Giotto. Adoration des mages. 1303-1305 Fresque de la chapelle des Scrovegni à Padoue, Italie. C'est ce qui caractérisera de nombreux maîtres de la Renaissance. Laconisme des images. Vivez les émotions des personnages. Le réalisme.
En savoir plus sur les fresques du maître dans l'article.
Giotto était admiré. Mais son innovation n'a pas été développée davantage. La mode du gothique international arrive en Italie.
Ce n'est qu'après 100 ans qu'un digne successeur de Giotto apparaîtra.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Autoportrait (fragment de la fresque « Saint Pierre en chaire »). 1425-1427 La chapelle Brancacci à Santa Maria del Carmine, Florence, Italie. Début du XVe siècle. La soi-disant Première Renaissance. Un autre innovateur entre en scène.
Masaccio a été le premier artiste à utiliser la perspective linéaire. Il a été conçu par son ami l'architecte Brunelleschi. Maintenant, le monde représenté est devenu similaire au monde réel. L'architecture des jouets appartient au passé.
Masaccio. Saint Pierre guérit avec son ombre. 1425-1427 La chapelle Brancacci à Santa Maria del Carmine, Florence, Italie. Il a adopté le réalisme de Giotto. Cependant, contrairement à son prédécesseur, il connaissait déjà bien l'anatomie.
Au lieu de personnages en blocs, Giotto est un peuple magnifiquement bâti. Tout comme les anciens Grecs.
Masaccio. Baptême des néophytes. 1426-1427 Chapelle Brancacci, église Santa Maria del Carmine à Florence, Italie. 
Masaccio. Exil du Paradis. 1426-1427 Fresque de la chapelle Brancacci, Santa Maria del Carmine, Florence, Italie. Masaccio a vécu une courte vie. Il est mort, comme son père, de façon inattendue. A 27 ans.
Cependant, il avait de nombreux adeptes. Les maîtres des générations suivantes se sont rendus à la chapelle Brancacci pour apprendre de ses fresques.
Ainsi l'innovation de Masaccio a été reprise par tous les grands artistes de la Haute Renaissance.
3. Léonard de Vinci (1452-1519)
Léonard de Vinci. Autoportrait. 1512 Bibliothèque royale de Turin, Italie. Léonard de Vinci est l'un des titans de la Renaissance. Il a grandement influencé le développement de la peinture.
C'est da Vinci qui a élevé le statut de l'artiste lui-même. Grâce à lui, les représentants de cette profession ne sont plus seulement des artisans. Ce sont les créateurs et les aristocrates de l'esprit.
Leonardo a fait une percée principalement dans le portrait.
Il pensait que rien ne devait détourner l'attention de l'image principale. L'œil ne doit pas errer d'un détail à l'autre. C'est ainsi qu'apparaissent ses célèbres portraits. Concis. Harmonieux.
Léonard de Vinci. Dame à l'hermine. 1489-1490 Musée Chertoryski, Cracovie. La principale innovation de Léonard est qu'il a trouvé un moyen de rendre les images... vivantes.
Avant lui, les personnages des portraits ressemblaient à des mannequins. Les lignes étaient claires. Tous les détails sont soigneusement dessinés. Un dessin peint ne pouvait pas être vivant.
Leonardo a inventé la méthode sfumato. Il a flouté les lignes. Fait la transition de la lumière à l'ombre très douce. Ses personnages semblent être couverts d'une brume à peine perceptible. Les personnages ont pris vie.
. 1503-1519 Louvre, Paris. Sfumato entrera dans le vocabulaire actif de tous les grands artistes du futur.
Souvent, il y a une opinion que Leonardo, bien sûr, un génie, mais ne savait pas comment mettre fin à quoi que ce soit. Et il n'a souvent pas fini de peindre. Et beaucoup de ses projets sont restés sur papier (d'ailleurs, en 24 volumes). En général, il a été jeté dans la médecine, puis dans la musique. Même l'art de servir à une époque était friand.
Cependant, pensez par vous-même. 19 peintures - et il est le plus grand artiste de tous les temps et de tous les peuples. Et quelqu'un n'est même pas proche de la grandeur en écrivant 6 000 toiles dans sa vie. Évidemment, qui a une plus grande efficacité.
Découvrez le tableau le plus célèbre du maître dans l'article.
4. Michel-Ange (1475-1564)
Danièle de Volterra. Michel-Ange (détail). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York. Michel-Ange se considérait comme un sculpteur. Mais il était un maître universel. Comme ses autres collègues de la Renaissance. Dès lors, son héritage pictural n'en est pas moins grandiose.
Il est reconnaissable principalement par des caractères physiquement développés. Il a dépeint un homme parfait en qui la beauté physique signifie la beauté spirituelle.
Par conséquent, tous ses personnages sont si musclés, robustes. Même les femmes et les personnes âgées.
Michel-Ange. Fragments de la fresque du Jugement dernier dans la Chapelle Sixtine, Vatican.
Michel-Ange a souvent peint le personnage nu. Et puis j'ai ajouté des vêtements par dessus. Pour rendre le corps aussi gaufré que possible.
Il peint seul le plafond de la Chapelle Sixtine. Bien que ce soit quelques centaines de chiffres! Il n'a même laissé personne frotter la peinture. Oui, il était peu sociable. Il avait une personnalité dure et querelleuse. Mais surtout, il était mécontent de… lui-même.
Michel-Ange. Fragment de la fresque "Création d'Adam". 1511 Chapelle Sixtine, Vatican. Michel-Ange a vécu une longue vie. A survécu au déclin de la Renaissance. Pour lui, ce fut une tragédie personnelle. Ses œuvres ultérieures sont pleines de tristesse et de chagrin.
En général, le parcours créatif de Michel-Ange est unique. Ses premières œuvres sont l'éloge du héros humain. Libre et courageux. Dans les meilleures traditions La Grèce ancienne. Comme son David.
À dernières années la vie sont des images tragiques. Une pierre volontairement grossièrement taillée. Comme si devant nous se trouvaient des monuments aux victimes du fascisme du XXe siècle. Regardez sa "Pieta".
Sculptures de Michel-Ange à l'Académie des Beaux-Arts de Florence. À gauche : David. 1504 À droite : Pietà de Palestrina. 1555
Comment est-ce possible? Un artiste a traversé toutes les étapes de l'art de la Renaissance au XXe siècle en une seule vie. Que feront les prochaines générations ? Suis ton propre chemin. Sachant que la barre a été placée très haut.
5. Raphaël (1483-1520)
. 1506 Galerie des Offices, Florence, Italie. Raphaël n'a jamais été oublié. Son génie a toujours été reconnu : de son vivant comme après sa mort.
Ses personnages sont dotés d'une beauté sensuelle et lyrique. C'est lui qui est à juste titre considéré comme les plus belles images féminines jamais créées. La beauté extérieure reflète la beauté spirituelle des héroïnes. Leur douceur. Leur sacrifice.
Raphaël. . 1513 Galerie des Maîtres anciens, Dresde, Allemagne. Les mots célèbres "La beauté sauvera le monde" Fiodor Dostoïevski a dit précisément à propos. C'était sa photo préférée.
Cependant, les images sensuelles ne sont pas le seul point fort de Raphaël. Il réfléchit très attentivement à la composition de ses tableaux. Il était un architecte inégalé dans la peinture. De plus, il a toujours trouvé la solution la plus simple et la plus harmonieuse dans l'organisation de l'espace. Il semble qu'il ne peut en être autrement.
Raphaël. école d'Athènes. 1509-1511 Fresque dans les salles du Palais apostolique, Vatican. Rafael n'a vécu que 37 ans. Il est mort subitement. Des rhumes attrapés et des erreurs médicales. Mais son héritage ne peut être surestimé. De nombreux artistes ont idolâtré ce maître. Et ils ont multiplié ses images sensuelles dans des milliers de leurs toiles..
Titien était un coloriste hors pair. Il a aussi beaucoup expérimenté la composition. En général, il était un innovateur audacieux.
Pour un tel éclat de talent, tout le monde l'aimait. Appelé "le roi des peintres et le peintre des rois".
En parlant de Titien, je veux mettre un point d'exclamation après chaque phrase. Après tout, c'est lui qui a donné de la dynamique à la peinture. Pathétique. Enthousiasme. Couleur vive. Eclat de couleurs.
Titien. Ascension de Marie. 1515-1518 Église de Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venise. Vers la fin de sa vie, il a développé une technique d'écriture inhabituelle. Les traits sont rapides et épais. La peinture était appliquée soit au pinceau, soit avec les doigts. De là - les images sont encore plus vivantes, respirantes. Et les intrigues sont encore plus dynamiques et dramatiques.
Titien. Tarquin et Lucrèce. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, Angleterre. Cela ne vous rappelle rien ? Bien sûr, c'est une technique. Et la technique des artistes du XIXème siècle : Barbizon et. Titien, comme Michel-Ange, traversera 500 ans de peinture en une seule vie. C'est pourquoi il est un génie.
Lisez à propos du célèbre chef-d'œuvre du maître dans l'article.
Les artistes de la Renaissance sont les détenteurs d'un grand savoir. Pour laisser un tel héritage, il a fallu beaucoup étudier. Dans le domaine de l'histoire, de l'astrologie, de la physique, etc.
Par conséquent, chacune de leurs images nous fait réfléchir. Pourquoi est-il affiché ? Quel est le message crypté ici ?
Ils ne se trompent presque jamais. Parce qu'ils ont bien réfléchi à leur futur travail. Ils ont utilisé tout le bagage de leur savoir.
Ils étaient plus que des artistes. C'étaient des philosophes. Ils nous expliquaient le monde à travers la peinture.
C'est pourquoi ils seront toujours profondément intéressants pour nous.
agence fédérale de l'éducation
Université d'État d'architecture et de génie civil de Saint-Pétersbourg
Département d'histoire
Discipline : Culturologie
Titans et chefs-d'œuvre de la culture de la Renaissance
Groupe 1 étudiant ES 2
E. Yu. Nalivko
Superviseur:
vers et. n., enseignant
I. Yu. Lapina
Saint-Pétersbourg
Présentation…………………………………………………………3
L'art du début de la Renaissance………………………..4
Période Haute Renaissance…………………………….5
Sandro Botticelli……………………………………….5
Léonard de Vinci…………………………………………7
Michel-Ange Buonarroti …….………………………………10
Raphaël Santi…………....…………………………….13
Conclusion……………………………………………………..15
Liste de la littérature utilisée……………………....16
Introduction
La Renaissance est une période importante de la culture mondiale. Initialement, un nouveau phénomène dans la vie culturelle européenne ressemblait à un retour aux réalisations oubliées de la culture antique dans le domaine de la science, de la philosophie et de la littérature. Le phénomène de la Renaissance réside dans le fait que l'héritage antique est devenu une arme de renversement des canons et des interdits ecclésiastiques. En substance, nous devons parler d'une révolution culturelle grandiose qui a duré deux siècles et demi et s'est terminée par la création d'un nouveau type de vision du monde et d'un nouveau type de culture. Rien de tel n'a été observé en dehors de la région européenne à cette époque. Par conséquent, ce sujet a suscité mon grand intérêt et mon désir d'analyser cette période plus en détail.
Dans mon essai, je veux me concentrer sur des personnes aussi remarquables que Sandro Botticelli, Léonard de Vinci, Michel-Ange Buonarroti, Raffaello Santi. Ce sont eux qui sont devenus les représentants les plus éminents des principales étapes de la Renaissance italienne.
1. L'art de la première Renaissance
Dans les premières décennies du XVe siècle, un tournant décisif s'opère dans l'art italien. L'émergence d'un puissant centre de la Renaissance à Florence a conduit au renouveau de toute la culture artistique italienne.
L'œuvre de Donatello, Masaccio et leurs associés marque la victoire du réalisme de la Renaissance, qui différait sensiblement du « réalisme des détails » caractéristique de l'art gothique du trecento tardif. Les œuvres de ces maîtres sont empreintes des idéaux de l'humanisme. Ils glorifient et glorifient une personne, l'élèvent au-dessus du niveau de la vie quotidienne.
Dans leur lutte avec la tradition gothique, les artistes du début de la Renaissance ont cherché un appui dans l'Antiquité et l'art de la Proto-Renaissance. Ce que les maîtres de la Proto-Renaissance ne recherchaient qu'intuitivement, par le toucher, repose désormais sur une connaissance précise.
L'art italien du XVe siècle se distingue par une grande diversité. Le nouvel art, qui s'est imposé au début du XVe siècle dans la Florence avancée, n'a pas immédiatement été reconnu et diffusé dans d'autres régions du pays. Alors que Bruneleschi, Masaccio, Donatello travaillaient à Florence, les traditions de l'art byzantin et gothique étaient encore vivaces dans le nord de l'Italie, remplacées progressivement par la Renaissance.
Florence était le centre principal du début de la Renaissance. La culture florentine de la première moitié et du milieu du XVe siècle est variée et riche. Depuis 1439, depuis le concile œcuménique tenu à Florence, auquel arrivèrent l'empereur byzantin Jean Palaiologos et le patriarche de Constantinople, accompagnés d'une magnifique suite, et surtout après la chute de Byzance en 1453, lorsque de nombreux savants qui avaient fui le Est trouvé refuge à Florence, cette ville devient l'un des principaux centres en Italie pour l'étude de la langue grecque, ainsi que la littérature et la philosophie de la Grèce antique. Et pourtant, le rôle principal dans la vie culturelle de Florence dans la première moitié et le milieu du XVe siècle appartenait sans aucun doute à l'art. une
2. La période de la Haute Renaissance
Cette période représente l'apogée de la Renaissance. Ce fut une courte période, d'environ 30 ans, mais quantitativement et qualitativement, cette période de temps est comme des siècles. L'art de la Haute Renaissance est une sommation des acquis du XVe siècle, mais en même temps c'est un nouveau saut qualitatif, tant dans la théorie de l'art que dans sa mise en œuvre. L'extraordinaire "densification" de cette période s'explique par le fait que le nombre d'artistes brillants travaillant simultanément (dans une période historique) est une sorte de record même pour toute l'histoire de l'art. Qu'il suffise de citer des noms tels que Léonard de Vinci, Raphaël et Michel-Ange.
3. Sandro Botticelli
Le nom de Sandro Botticelli est connu dans le monde entier comme le nom de l'un des artistes les plus remarquables de la Renaissance italienne.
Sandro Botticelli est né en 1444 (ou 1445) dans la famille d'un tanneur, le citoyen florentin Mariano Filippepi. Sandro était le plus jeune, le quatrième fils de Philippepi. Malheureusement, on ne sait presque rien sur où et quand Sandro a été formé en tant qu'artiste et si, comme le disent d'anciennes sources, il a vraiment d'abord étudié la joaillerie, puis a commencé à peindre. En 1470, il possédait déjà son propre atelier et exécutait indépendamment les commandes reçues.
Le charme de l'art de Botticelli reste toujours un peu mystérieux. Ses œuvres évoquent un sentiment que les œuvres d'autres maîtres n'évoquent pas.
Botticelli était inférieur à de nombreux artistes du XVe siècle, certains en énergie courageuse, d'autres en véritable authenticité des détails. Ses images (à de très rares exceptions près) sont dénuées de monumentalité et de drame, leurs formes exagérément fragiles sont toujours un peu arbitraires. Mais comme aucun autre peintre du XVe siècle, Botticelli était doté de la capacité de la plus fine compréhension poétique de la vie. Pour la première fois, il était capable de transmettre les nuances subtiles des expériences humaines. L'excitation joyeuse est remplacée dans ses peintures par la rêverie mélancolique, les explosions de plaisir - la mélancolie douloureuse, la contemplation calme - la passion incontrôlable.
La nouvelle direction de l'art de Botticelli reçoit son expression extrême dans la dernière période de son activité, dans les œuvres des années 1490 et du début des années 1500. Ici, les dispositifs d'exagération et de dissonance deviennent presque insupportables (par exemple, le "Miracle de saint Zenobius"). L'artiste plonge alors dans l'abîme de la douleur sans espoir ("Pieta"), puis s'abandonne à l'exaltation éclairée ("Communion de saint Jérôme"). Sa manière picturale est simplifiée presque aux conventions de la peinture d'icônes, se distinguant par une sorte de langue naïve. Le rythme linéaire plan obéit complètement à la fois au dessin, poussé à la limite dans sa simplicité, et à la couleur avec ses contrastes vifs de couleurs locales. Les images, pour ainsi dire, perdent leur véritable coquille terrestre, agissant comme des symboles mystiques. Et pourtant, dans cet art tout religieux, le principe humain s'impose avec force. Jamais auparavant un artiste n'avait investi autant de sentiment personnel dans ses œuvres, jamais auparavant ses images n'avaient eu une si haute signification morale.
Avec la mort de Botticelli, l'histoire de la peinture florentine de la première Renaissance se termine - ce véritable ressort de la culture artistique italienne. Contemporain de Léonard, de Michel-Ange et du jeune Raphaël, Botticelli est resté étranger à leurs idéaux classiques. En tant qu'artiste, il appartenait entièrement au XVe siècle et n'avait pas de successeurs directs dans la peinture de la Haute Renaissance. Cependant, son art n'est pas mort avec lui. C'était la première tentative de révéler le monde spirituel d'une personne, une tentative timide qui s'est terminée tragiquement, mais à travers les générations et les siècles, elle a reçu son reflet infiniment multiforme dans le travail d'autres maîtres.
L'art de Botticelli est une confession poétique d'un grand artiste qui excite et excite toujours le cœur des gens. 2
4. Léonard de Vinci
Dans l'histoire de l'humanité, il n'est pas facile de trouver une autre personne aussi brillante que le fondateur de l'art de la Haute Renaissance, Léonard de Vinci (1452-1519). La nature globale des activités de ce grand artiste et scientifique n'est devenue claire que lorsque les manuscrits épars de son héritage ont été examinés. Une littérature colossale est consacrée à Léonard, sa vie a été étudiée en détail. Et, néanmoins, une grande partie de son travail reste mystérieuse et continue d'exciter l'esprit des gens.
Léonard de Vinci est né dans le village d'Anchiano près de Vinci : non loin de Florence. Il était le fils illégitime d'un riche notaire et d'une simple paysanne. Remarquant l'extraordinaire capacité du garçon en peinture, son père le confie à l'atelier d'Andrea Verrocchio. Dans l'image du professeur «Le Baptême du Christ», la figure d'un ange blond spiritualisé appartient au pinceau du jeune Léonard.
Parmi ses premières œuvres figure la Vierge à la fleur (1472), peinte à la peinture à l'huile, alors rare en Italie.
Vers 1482, Léonard entre au service du duc de Milan, Lodovico Moro. Le maître s'est d'abord recommandé comme ingénieur militaire, architecte, spécialiste dans le domaine du génie hydraulique, puis seulement comme peintre et sculpteur. Cependant, la première période milanaise de la créativité de Léonard (1482-1499) s'est avérée la plus fructueuse. Le maître est devenu l'artiste le plus célèbre d'Italie, a étudié l'architecture et la sculpture, s'est tourné vers la fresque et la peinture d'autel.
Les peintures pittoresques de Léonard de la période milanaise ont survécu jusqu'à nos jours. Le premier retable de la Haute Renaissance est la Vierge à la Grotte (1483-1494). Le peintre s'est écarté des traditions du XVe siècle: dans les peintures religieuses dont prévalait la raideur solennelle. Il y a peu de personnages dans le retable de Léonard : la Marie féminine, l'Enfant Christ bénissant le petit Jean-Baptiste et un ange agenouillé, comme s'il regardait hors du tableau. Les images sont parfaitement belles, naturellement liées à leur environnement. C'est une sorte de grotte parmi les rochers de basalte sombre avec un trou dans les profondeurs - un paysage typique de Léonard dans son ensemble est incroyablement mystérieux. Les figures et les visages sont enveloppés d'une brume aérienne, leur donnant une douceur particulière. Les Italiens appelaient cette technique Deonardo sfumato.
À Milan, apparemment, le maître a créé la toile "Madonna and Child" ("Madonna Lita"). Ici, contrairement à la Vierge à la fleur, il s'efforce de généraliser davantage l'idéalité de l'image. Ce n'est pas un certain moment qui est représenté, mais un certain état de paix de joie à long terme dans lequel une belle jeune femme est immergée. Une lumière claire et froide l'illumine subtilement visage doux avec un regard mi-baissé et un léger sourire à peine perceptible. Le tableau est peint à la détrempe, donnant une sonorité aux tons du manteau bleu et de la robe rouge de Marie. Les cheveux bouclés dorés et moelleux de l'enfant sont étonnamment peints, son regard attentif dirigé vers le spectateur n'est pas d'un sérieux enfantin.
Lorsque Milan fut prise par les troupes françaises en 1499, Léonard quitta la ville. Le temps de ses pérégrinations a commencé. Pendant un certain temps, il a travaillé à Florence. Là, l'œuvre de Léonard semble être illuminée par un éclair lumineux : il peint un portrait de Mona Lisa, l'épouse du riche florentin Francesco di Giocondo (vers 1503). Le portrait est connu sous le nom de "Gioconda", est devenu l'une des œuvres les plus célèbres de la peinture mondiale.
Un petit portrait d'une jeune femme, enveloppée d'une brume aérienne, assise sur fond d'un paysage bleu-vert, est plein d'un tremblement si vif et si tendre que, selon Vasari, on peut voir le pouls battre dans l'approfondissement de Mona Le cou de Lisa. Il semblerait que l'image soit facile à comprendre. Pendant ce temps, dans la vaste littérature consacrée à la Joconde, les interprétations les plus opposées de l'image créée par Léonard se heurtent.
Dans les dernières années de sa vie, Léonard de Vinci a peu travaillé en tant qu'artiste. Invité par le roi de France François 1er, il part pour la France en 1517 et devient peintre de cour. Bientôt Léonard mourut. Dans l'autoportrait - dessin (1510-1515), le patriarche à la barbe grise avec un regard profondément lugubre avait l'air beaucoup plus âgé que son âge.
L'ampleur et l'unicité du talent de Léonard peuvent être jugées par ses dessins, qui occupent l'une des places d'honneur dans l'histoire de l'art. Avec les dessins de Léonard de Vinci, croquis, croquis, schémas, non seulement les manuscrits consacrés aux sciences exactes, mais aussi les ouvrages sur la théorie de l'art sont inextricablement liés. Une grande place est accordée aux problèmes de clair-obscur, de modélisation volumétrique, de perspective linéaire et aérienne. Léonard de Vinci possède de nombreuses découvertes, projets et études expérimentales en mathématiques, mécanique et autres sciences naturelles.
L'art de Léonard de Vinci, ses recherches scientifiques et théoriques, le caractère unique de sa personnalité ont traversé toute l'histoire de la culture et de la science mondiales et ont eu un impact énorme. 3
5 Michel-Ange Buonarroti
Parmi les demi-dieux et les titans de la Haute Renaissance, Michel-Ange occupe une place à part. En tant que créateur d'art nouveau, il mérite le nom de Prométhée du XVIe siècle
La belle statue de marbre, connue sous le nom de Pieta, reste à ce jour un monument du premier séjour à Rome et de la pleine maturité de l'artiste de 24 ans. La Sainte Vierge est assise sur une pierre, sur ses genoux repose le corps sans vie de Jésus, descendu de la croix. Elle le soutient de sa main. Sous l'influence des œuvres antiques, Michel-Ange a écarté toutes les traditions du Moyen Âge dans la représentation des sujets religieux. Il a donné harmonie et beauté au corps du Christ et à toute l'œuvre. Ce n'était pas la mort de Jésus qui était censée évoquer l'horreur, mais seulement un sentiment de surprise respectueuse envers le grand souffrant. La beauté du corps nu bénéficie grandement de l'effet d'ombre et de lumière produit par les plis savamment agencés de la robe de Marie. Dans le visage de Jésus, représenté par l'artiste, ils ont même trouvé des similitudes avec Savonarole. Pieta est restée un témoignage éternel de la lutte et de la protestation, un monument éternel aux souffrances cachées de l'artiste lui-même.
Michel-Ange est revenu à Florence en 1501, à un moment difficile pour la ville, où à partir d'un énorme bloc de marbre de Carrare, qui était destiné à une statue colossale du David biblique pour décorer le dôme de la cathédrale, il a décidé de créer un ensemble intégral et travail parfait, sans réduire sa taille, et c'était David. En 1503, le 18 mai, la statue a été installée sur la Piazza Senoria, où elle s'est tenue pendant plus de 350 ans.
Dans la longue et sombre vie de Michel-Ange, il n'y a eu qu'une seule période où le bonheur lui a souri - c'est quand il a travaillé pour le pape Jules ll. Michel-Ange, à sa manière, aimait ce papa guerrier grossier, qui n'avait pas du tout les manières acérées papales. Le tombeau du pape Jules ne s'est pas avéré aussi magnifique que Michel-Ange l'avait prévu. Au lieu de la cathédrale St. Peter, elle fut placée dans une petite église de St. Peter, où elle n'est même pas entrée dans son intégralité, et ses parties individuelles dispersées à différents endroits. Mais même sous cette forme, c'est à juste titre l'une des créations les plus célèbres de la Renaissance. Sa figure centrale est le Moïse biblique, le libérateur de son peuple de la captivité égyptienne (l'artiste espérait que Jules libérerait l'Italie des conquérants). Passion dévorante, force inhumaine tendent le corps puissant du héros, son visage reflète la volonté et la détermination, une soif passionnée d'action, son regard est dirigé vers la terre promise. Dans la majesté olympienne siège un demi-dieu. Une de ses mains repose puissamment sur une tablette de pierre posée sur ses genoux, l'autre repose ici avec une insouciance digne d'un homme qui n'a besoin que d'un mouvement de sourcils pour faire obéir tout le monde. Comme l'a dit le poète, « Devant une telle idole, le peuple juif avait le droit de se prosterner en prière. » Selon les contemporains, le « Moïse » de Michel-Ange a effectivement vu Dieu.
À la demande du pape Jules, Michel-Ange a peint le plafond de la chapelle Sixtine au Vatican avec des fresques représentant la création du monde. Ses peintures sont dominées par les lignes et les corps. 20 ans plus tard, sur l'un des murs de la même chapelle, Michel-Ange a peint la fresque du Jugement dernier - une vision étonnante de l'apparition du Christ au Jugement dernier, à la vague de la main de laquelle les pécheurs tombent dans l'abîme de l'enfer. Musclé, le géant herculéen ne ressemble pas au Christ biblique, qui s'est sacrifié pour le bien de l'humanité, mais à la personnification du châtiment de la mythologie antique, la Fresque révèle le terrible gouffre d'une âme désespérée, l'âme de Michel-Ange.
Dans les œuvres de Michel-Ange, la douleur causée par la tragédie de l'Italie s'exprime, fusionnée avec la douleur de son propre triste destin.La beauté, qui ne se mêle pas à la souffrance et au malheur, Michel-Ange a trouvé dans l'architecture. Michel-Ange a repris la construction de Saint-Pierre après la mort de Bramante. Digne successeur de Bramante, il a créé un dôme et à ce jour est inégalé en taille ou en grandeur,
Michel-Ange n'avait pas d'élèves, pas de soi-disant école. Mais il y avait tout un monde créé par lui. quatre
6. Raphaël
L'œuvre de Raphael Santi est l'un de ces phénomènes de la culture européenne qui sont non seulement couverts d'une renommée mondiale, mais qui ont également acquis une signification particulière - les plus hauts jalons de la vie spirituelle de l'humanité. Pendant cinq siècles, son art a été perçu comme l'un des exemples de perfection esthétique.
Le génie de Raphaël s'est révélé dans la peinture, le graphisme, l'architecture. Les œuvres de Raphaël sont l'expression la plus complète et la plus vivante de la ligne classique, le début classique de l'art de la Haute Renaissance (annexe 3). Raphaël a créé une "image universelle" d'une belle personne, parfaite physiquement et spirituellement, incarnant l'idée de la beauté harmonieuse de l'être.
Raphael (plus précisément, Raffaello Santi) est né le 6 avril 1483 dans la ville d'Urbino. Il reçoit ses premières leçons de peinture de son père, Giovanni Santi. Quand Raphaël avait 11 ans, Giovanni Santi est mort et le garçon est devenu orphelin (il a perdu le garçon 3 ans avant la mort de son père). Apparemment, au cours des 5-6 années suivantes, il a étudié la peinture avec Evangelista di Piandimeleto et Timoteo Viti, maîtres provinciaux mineurs.
Les premières œuvres de Raphaël que nous connaissons ont été jouées vers 1500 - 1502, alors qu'il avait 17-19 ans. Ce sont des compositions miniatures «Trois Grâces», «Rêve d'un chevalier». Ces choses simples et encore timides sont empreintes de poésie subtile et de sincérité des sentiments. Dès les premiers pas de la créativité, le talent de Raphaël se révèle dans toute son originalité, sa propre thématique artistique est esquissée.
Les meilleures œuvres de la première période incluent la Madone Conestabile. Les compositions représentant la Vierge à l'Enfant ont apporté à Raphaël une grande renommée et popularité. Les madones fragiles, douces et rêveuses de la période ombrienne ont été remplacées par des images plus terrestres et pleines de sang, leur monde intérieur est devenu plus complexe, riche en nuances émotionnelles. Raphaël a créé un nouveau type de représentation de la Vierge à l'Enfant - monumentale, stricte et lyrique à la fois, a donné à ce sujet une signification sans précédent.
Il a glorifié l'existence terrestre de l'homme, l'harmonie des forces spirituelles et physiques dans les peintures des strophes (salles) du Vatican (1509-1517), atteignant un sens impeccable de la proportion, du rythme, des proportions, de l'harmonie des couleurs, de l'unité de figures et la majesté des décors architecturaux. Il existe de nombreuses images de la Mère de Dieu ("Madone Sixtine", 1515-19), des ensembles artistiques dans les peintures murales de la Villa Farnesina (1514-18) et les loggias du Vatican (1519, avec des étudiants). Dans les portraits, il crée l'image idéale d'un homme de la Renaissance (Baldassare Castiglione, 1515). A conçu la cathédrale de St. Peter, a construit la chapelle Chigi de l'église de Santa Maria del Popolo (1512-20) à Rome.
La peinture de Raphaël, son style, ses principes esthétiques reflétaient la vision du monde de l'époque. Dans la troisième décennie du XVIe siècle, la situation culturelle et spirituelle en Italie avait changé. La réalité historique a détruit les illusions de l'humanisme de la Renaissance. La renaissance touchait à sa fin. 5
Conclusion
Pendant la Renaissance, l'intérêt pour l'art de la Grèce et de la Rome antiques s'est manifesté, ce qui a incité l'Europe à changer, ce qui a marqué la fin du Moyen Âge et le début des temps nouveaux. Cette période n'était pas seulement une période de "renaissance" du passé antique, c'était une période de découvertes et de recherches, une période d'idées nouvelles. Les exemples classiques ont inspiré une nouvelle pensée, mettant l'accent sur la personnalité humaine, le développement et la manifestation des capacités, et non sur leurs limites, ce qui était caractéristique du Moyen Âge. Formation et Recherche scientifique n'étaient plus exclusivement l'œuvre de l'Église. De nouvelles écoles et universités ont vu le jour, des sciences naturelles et des expériences médicales ont été menées. Artistes et sculpteurs se sont efforcés dans leur travail de naturalité, d'une recréation réaliste du monde et de l'homme. Les statues classiques et l'anatomie humaine ont été étudiées. Les artistes ont commencé à utiliser la perspective, abandonnant l'image plane. Les objets d'art étaient le corps humain, des sujets classiques et modernes, ainsi que des thèmes religieux. Les relations capitalistes émergent en Italie et la diplomatie commence à être utilisée comme un outil dans les relations entre cités-États. Les découvertes scientifiques et technologiques, telles que l'invention de l'imprimerie, ont contribué à la diffusion d'idées nouvelles. Peu à peu, de nouvelles idées ont pris possession de toute l'Europe.
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Tout le monde sait que c'est l'Italie qui a été le cœur de toute la période de la Renaissance. De grands maîtres de la parole, du pinceau et de la pensée philosophique apparus dans chacune des cultures en Italie témoignent de l'émergence de traditions qui se développeront au cours des siècles suivants, cette période est devenue le point de départ, le début d'une grande ère de développement de la créativité en Europe.
En bref sur les principaux
L'art de la première Renaissance en Italie couvre la période d'environ 1420 à 1500, précédant et complétant la Proto-Renaissance. Comme toute période de transition, ces quatre-vingts années sont caractérisées à la fois par des idées qui ont précédé et par des idées nouvelles, qui sont pourtant empruntées au passé lointain, aux classiques. Peu à peu, les créateurs se sont débarrassés des concepts médiévaux, reportant leur attention sur l'art ancien.
Cependant, malgré le fait qu'ils cherchaient pour la plupart à revenir aux idéaux d'un art oublié, tant en général qu'en particulier, les traditions anciennes se mêlaient néanmoins à de nouvelles, mais dans une bien moindre mesure.
L'architecture italienne au début de la Renaissance
Le nom principal de l'architecture de cette période est, bien sûr, Filippo Brunelleschi. Il est devenu la personnification de l'architecture de la Renaissance, incarnant organiquement ses idées, il a réussi à transformer des projets en quelque chose d'envoûtant et, soit dit en passant, jusqu'à présent, ses chefs-d'œuvre ont été soigneusement gardés pendant de nombreuses générations. L'une de ses principales réalisations créatives est considérée comme des bâtiments situés en plein centre de Florence, dont les plus remarquables sont le dôme de la cathédrale florentine de Santa Maria del Fiore et le palais Pitti, qui est devenu le point de départ de l'architecture italienne de le début de la Renaissance.
D'autres réalisations importantes de la Renaissance italienne comprennent également ce qui est situé près de la place principale de Venise, les palais de Rome par les mains de Bernardo di Lorenzo et d'autres. Au cours de cette période, l'architecture italienne cherche à combiner organiquement les caractéristiques du Moyen Âge et des Classiques, en recherchant la logique des proportions. Un excellent exemple de cette affirmation est la Basilique de San Lorenzo, toujours de Filippo Brunelleschi. Chez les autres pays européens Le début de la Renaissance n'a pas laissé d'exemples aussi frappants.
Artistes de la première Renaissance
Résultats
Bien que la culture de la première Renaissance en Italie s'efforce d'atteindre la même chose - afficher les classiques à travers le prisme du naturel, les créateurs suivent des chemins différents, laissant leurs noms dans la culture de la Renaissance. De nombreux grands noms, des chefs-d'œuvre ingénieux et une refonte complète de la culture non seulement artistique, mais aussi philosophique - tout cela nous a apporté une période qui préfigurait d'autres étapes de la Renaissance, dans laquelle les idéaux établis ont trouvé leur continuation.